martes, 22 de noviembre de 2011

intimidades metropolitanas

Foto: Paco Cruces

En este Madrid acelerado y de ofertas culturales infinitas, sanan las prisas y alimentan el espíritu iniciativas como estos seminarios de intimidades metropolitanas.
Con este nombre tan sugerente, lo que trata este proyecto de investigación del Grupo Cultura Urbana de la UNED, es intentar entender qué es para los asistentes "sentirse en casa", cuál es la relación que establecemos en los hogares con los equipamientos, cuáles son los sonidos que conectan con nuestra intimidad doméstica y así abiertamente y con gente desconocida cada uno verbaliza su cotidianeidad, sus recuerdos de hogar o sus anécdotas de las más comunes rutinas.
Ya que parece que una de las cosas que más han cambiado en los últimos 30 años es la manera en la que habitamos, la manera en la que establecemos nuestro día a día en nuestras casas.

Sólo esta reseña era para decir gracias, todos mis recuerdos que me acompañaron en todos estos seminarios son dulces y también es una delicia escuchar los de los demás.

¿Y qué tienen que ver estas cotidianeidades con el devenir del diseño? Pues mucho, los nuevos usos de los artefactos en los hogares, las preferencias para introducir objetos y rutinas en nuesto día a día... todo eso que parece que se aleja tanto de esas casas de revista.

sábado, 19 de noviembre de 2011

experimentar por experimentar


En Dinamarca saben de lo que hablan, llevan treinta años haciéndolo, sin más pretensión, que intuir hacia donde va el mobiliario del futuro

Un asociación llamada "The Cabinetmakers" cada año une a varios diseñadores para que creen y materialicen nuevos conceptos de mobiliario. Este año, en su treinta aniversario, el concepto de experimentación era "el cumpleaños" y decidieron después de ponerse manos a la obra, enseñar los resultados.




Algunos han incorporado el cumpleaños como un ángulo de temática en relación a lo que en treinta años necesitaremos en nuestra vida adulta, mientras que otros han dado rienda suelta a su imaginación. Lo único que prometen de los resultados es que no son aburridos. Se puede encontrar:
- Una cabra que no es una cabra, sino una mesa de trabajo de donde uno mismo puede hacer su propia silla.
- Altavoces escultóricos que eliminará las disputas domésticas.
- Una canasta de almacenamiento para un picnic, la ropa o artículos varios otros.- Un taburete de barra de largas noches con sus amigos.
- Un sistema de archivo que almacena los recuerdos y los sueños en una fusión de un escritorio y un armario.
- Un árbol de abrigos para toda la familia.
- El Volkswagen de sillas que celebra y abraza la vida cotidiana con todas sus rutinas mundanas.
- Un librero muy simple que se puede montar en la pared o de pie en el suelo, y que es más amplio de lo que piensa.


"Si cada principio de curso todos nos planteáramos incluir en nuestra agenda hacer un ejercicio de innovación con el objetivo de experimentar, tan sólo uno... qué diferente sería el mundo."

miércoles, 27 de julio de 2011

las incubadoras


Una bonita historia sobre las incubadoras:

Un día a finales de la década de 1870, el ginecólogo frances Stéphane Tarnier varía su rutina de trabajo y visita el zoo. Allí encontró una exposición de incubadoras de huevos de pájaros exóticos y decidió que este aparato debía estar en la maternidad de su hospital.
Contrató a la criadora de pájaros del zoo para construirlo y para hacer bajar la terrible tasa de mortalidad de finales del siglo XIX. Tarnier sabía que la regulación de la temperatura era un aspecto fundamental para que los niños no murieran y sabía que sus colegas estaban obsesionados con la estadística.


Así que, cuando tuvo en la Maternidad de mujeres no pudientes de París, su incubadora para recién nacidos, donde se calentaban aquellas frágiles criaturas con botellas de agua tibia instaladas bajo la estructura, Tarnier llevó a cabo un estudio rápido sobre unos quinientos bebés demostrando que la tasa de mortalidad de los bebés prematuros descendía a la mitad.
Ésta no fue la primera incubadora que existió, pero su análisis estadístico supuso un empujón definitivo para el proceso de incubar a los bebés.

140 años después, en Etiopía o Liberia la mortalidad infantil sigue teniendo unos índices desorbitados (más del 10%). La mayoría de las muertes son bebés prematuros que podrían salvarse si hubiera incubadoras. Pero las incubadoras de hoy son aparatos complejos y caros.

A finales del 2008 Timothy Prestero, profesor del MIT y fundador de la empresa Design that Matters (Diseño que importa), observó que en África no podían realizar mantenimiento a las incubadoras que las ONG's donaban a los hospitales con su buena intención de intentar frenar esos índices de mortalidad, pero sin embargo, aún los pueblos más pequeños se encargaban de mantener los pocos vehículos que tenían en perfecto estado.
No poséen aire acondicionado, no poséen portátiles, pero pueden hacer funcionar sin problemas un Toyota 4x4. Así que un médico llamado Jonathan le propuso a Prestero: ¿por qué no se fabrica una incubadora con componentes de automóvil?


Tres años después, el equipo de Design Matters presentaba un prototipo de una incubadora llamada NeoNurture, que por fuera era una incubadora de líneas sencillas pero por dentro el calor lo brindaban unos faros sellados, la circulación de aire lo realizaba un ventilador de motor y además podía enchufarse a una batería de motocicleta estándar.
Este diseño fue eficiente en dos sentidos: habría repuestos para la incubadora y habría el conocimiento suficiente para realizar el mantenimiento: si sabes cambiar el faro a un cohe, sabes arreglar la NeoNurture.

Así son las buenas ideas, delimitadas por los componentes y habilidades que las rodean.

fuente "Las buenas ideas" Steven Johnson

miércoles, 29 de junio de 2011

Feliz día del diseño industrial.

Me gusta que este día cada vez tenga más repercusión, eso es que esta disciplina está creciendo.
"¿Cómo ha mejorado tu vida es diseño industrial?" es la reflexión que proponen este año desde el ISCID, que parece que nos ha marcado este día con su concurso de carteles (este año el ganador la verdad que no me parece demasiado atractivo)

Y de este día se hacen eco en DeiDigital, Himajina, ADCV, BlogBololóLab (con una bonita reflexión de qué es ser diseñador), Living Sofia, Graphic Lust, designaholic, Core77 y muchas otras webs que demuestran que este día, sobre todo, es carne de blog y aquí estamos... predicando con el "ejemplo".

jueves, 16 de junio de 2011

Eva Zeisel. Mujeres del diseño (III)


75 años de carrera profesional y 104 años de vida dan a esta mujer, de diseños de dulces formas llevadas a la cerámica y sólidas colecciones vendidas en medio mundo, la entidad suficiente como para considerarla historia viviente del diseño. Dulzura, sensualidad y elegancia sin ostentación pueden definir sus obras.
Nacida en una familia judía de clase alta en Budapest aprendió el oficio en Kepzomuveszeti Academia (Academia de Bellas Artes) y abrió su propio estudio en 1925. Quería ser pintora, pero como sustento empezó a hacer piezas de cerámica.

De 1932 a 1937 trabajó en Rusia en la fábrica de porcelana Estatal Lomonosov de Leningrado y en la fábrica de Dulevo cerca de Moscú desde 1934, convirtiéndose en directora de arte en 1935. En 1936 fue acusada falsamente de conspirar para asesinar a Stalin y encarcelada. Escapó de la cárcel nazi para exiliarse junto con su marido Hans, en Estados Unidos, y con 64 dólares en el bolsillo.
Ya en Estados Unidos comenzó en el mundo de la enseñanza con Donald Dohner en 1939 en el Pratt Institute, la primera escuela de diseño industrial en incorporar cerámica, mientras trabajaba como diseñadora en Bay Ridge Specialty Co. en Nueva Jersey. En 1947 ganó un concurso del Museo de Arte Moderno de diseño de la vajilla para el museo, y ésta se convirtió en un ejemplo de buen diseño de vajillas. Trabajó también para la Alfarería de Red Wing, Italcraft y China Hall.
En 1982, regresó a Hungría para trabajar en una fábrica líder en cerámica. Y de vuelta ya en Estados Unidos fue de nuevo el diseño de vajillas y una aparición en un artículo en el New Yorker en 1987 acerca de su vida, y de exposiciones de su obra en el MoMA (1996) lo que la colocaron en el mapa mundial del diseño industrial.
Hoy en día, con más de 75 años en el mundo del diseño, Zeisel es una de las creadoras con más ventas en el sector del menaje. Tal vez sea por eso, que entre sus adeptos se encuentran coleccionistas que buscan su trabajo por su originalidad, y con esa intuición de que sus obras harán historia.

Como la vida de Zeizel parece salida de una película, el director Jyll Johnstonela la hizo realidad junto a Canobie Films, en su documental “Throwing Curves – Eva Zeisel”, con motivo del 95 cumpleaños de esta fascinante mujer. En el documental se incluye, además de su carrera en los centros neurálgicos del diseño de su tiempo -su estadía en la Berlín de los años 20, la Unión Soviética de los 30 y la Nueva York de los 50-, su épica vida en sus inicios en Europa.
Entre estas coordenadas de tiempo y espacio se revela su ánimo creativo. Una vocación que nació de los pequeños gestos de la vida, como el recuerdo de unos platos húngaros y coloristas de su tía o el marcado carácter de su madre historiadora, que había sido la primera mujer el graduarse en la Universidad de Budapest.

Fue galadonada en 2005, con el Premio Nacional de diseño por toda su trayectoria, por el Cooper-Hewitt, National Design Museum de Nueva York. Una persona de espíritu maravillosamente desafiante, Zeisel nunca ha seguido el camino previsible de la moda de vanguardia: "No acepté el purismo de diseño moderno".

No os perdáis, si os interesa esta mujer, la ternura que desprende en esta charla de TED.

Actualización 15 de Enero de 2012.
Eva ha muerto a los 105 años de edad. Noticia en The Guaridan.

sábado, 14 de mayo de 2011

laberinto


Las primaveras de Gijón siguen sorprendiéndonos. Esta vez, se trata de una nueva iniciativa de proyecto de unión de venta de objetos de segunda mano con mucho gusto, y la exposición y venta de arte. El proyecto tuvo su puesta en escena ayer y en la foto de más abajo podéis ver a los ideólogos del proyecto (Anina, Pau y Nacho).
Les deseamos mucha suerte en este comienzo y podéis seguirlos a través de su perfil de facebook, de su twitter y de su web. No dejéis de acercaros por este lugar tan especial de Gijón donde podréis encontrar las cosas más insospechadas, en la calle Santa Elena 4.


La imagen coorporativa la ha desarrollado David y la contribución de echar un remiendu ha sido estas etiquetas.

viernes, 13 de mayo de 2011

Mupis en Gijón

Pues Gijón, por uno días abandona la publicidad en sus calles, y se viste de propuestas de diseño gráfico por iniciativa de Motiva. Este año el tema era "Por el diseño" y los participantes han mostrado nuevamente un gran despliegue de originalidad: desde un cartel completamente en blanco a otro que muestra una botella de refresco en la que se fusionan los logotipos y los colores de dos marcas diferentes de bebidas, pasando por una imitación de la nueva marca turística asturiana, alusiva a la banalización que se hace a veces del diseño. También hay multitud de lemas como 'Sin diseño no hay negocio' o 'Diseño luego pienso'. Y éste de Annie Christian como rediseño de la campaña de Asturias "Lo dice todo el mundo" me encantó. Y sí Annie, hay quien cree que el Diseño lo hace todo el mundo.

Para más información de esta expo, aquí podéis descargar el catálogo completo, y en Disenas y en Warnon también se han hecho eco del evento.

lunes, 9 de mayo de 2011

Sacarle punta a todo

Dalton Ghetti es un curioso artista de origen brasileño que utiliza sus lápices no para hacer los bocetos de sus creaciones, sino para realizar esculturas en los mismos, esculpiendo el grafito de dichos laápices.

Dicho proceso resulta extremadamente dificil debido a la fragilidad y el tamaño de las minas de grafitos de los lápices; siendo el proceso aún más complejo debido a que no emplea lupa, siendo sus útiles un cuchillo, una hoja de afeitar y una aguja.

Suele tardar meses en acabarlas, e incluso ha realizado alguna que le llevó más de dos años.

Ghetti nació en Brasil, y se puede decir que este tío es un puntazo.....


martes, 5 de abril de 2011

Mujeres pioneras. Mujeres del diseño (II)

A raíz de la lectura del artículo de Rosalía Torrent Esclapés "Sobre Diseño y Género. Mujeres Pioneras" donde se señalan aquellas mujeres, que a partir de la segunda mitad del siglo XIX y las primeras décadas del XX, fueron referente para el desarrollo de la disciplina del diseño industrial, nos gustaría profundizar más en su trabajo.

En primer lugar y dentro del movimiento de Artes y Oficios, May Moris (1862-1938) fue una mujer, que lejos de vivir a la sombra de las creaciones de su padre Willian Morris, desarrolló todas las facetas del proceso creativo dentro del diseño textil. Su predilección por esta especialidad viene dada por su padre que a los siete años le enseñó a bordar y pronto se familiarizó con la creación, a los 23 años se convirtió en la encargada de proyectos de bordado de la empresa familiar. A ella se le atribuye un recuperado estilo de bordado denominado "a aguja alzada".


En este movimiento de Arts & Crafts, tuvieron gran presencia las mujeres dentro del sector cerámico. Maria Longworth Nichols, desde Estados Unidos, fue una mujer de grandes inquietudes dentro de este sector y creó la Rookwood Pottery. La cerámica que emergía de esta factoría estaba muy influenciada por la poética japonesa.

Experimentó con los esmaltes y con los procesos a altas temperaturas y otro estilo popular que surgió a través del trabajo de la fábrica de Rookwood fue el iris, un esmalte con alto brillo blanco sobre rosas, azules y amarillos y por lo general utilizado para los adornos florales.

Fiel a su tiempo, Maria experimenta el influjo de las artes y oficios y más tarde del modernismo que se alieaban bien con el gusto sobrio y exquisito de los japoneses.



Por otro lado, dentro de los cuatro de Glasgow, estaban las hermanas Margaret y Frances Mc Donald, aunque el más conocido dentro de estos cuatro fuera Rennie Mackintosh, fue su mujer Margaret coautora de muchos de sus proyectos.

Ambas hermanas llegaron a abrir un taller de producción donde se mezclaba el aire simbolista con el japonismo recién importado.



Como dicen en "la mujer construye", es importante valorar el trabajo de Margaret y Frances, dentro del contexto conservador de Inglaterra a finales del s.XIX, en el que Ruskin, uno de los pensadores y críticos de arte más reconocido del momento, escribe: "La educación no debe ir encaminada al desarrollo de la mujer, sino a la renuncia de a sí misma. Mientras que el hombre debe esforzarse por profundizar en sus conocimientos en todos los campos del conocimiento, la mujer ha de limitarse a adquirir unas nociones generales de literatura, arte, música o naturaleza [...] El hombre es sobre todo un creador, un defensor. Su intelecto le predestina para la especulación y la invención; su energía, para la aventura, la guerra y la conquista. Las tendencias de la mujer se desarrollan, en cambio en el mantenimiento del orden, no en la batalla; su lugar está en la casa, donde ella es la reina."

Una excepción a esta invisibilidad de las mujeres ha sido Eileen Gray (1818-1976) cuyos diseños han entrado en nuestro imaginario cotidiano de diseño. Esta diseñadora que desarrolló su trabajo en Francia nos ofrece piezas prácticamente bauhausianas de acero y vidrio.


Coetánea a Gray fue la importante Charlotte Perriand, que trabajó junto a Le Corbusier durante diez años. Educada en el Art Déco, diseñó conjuntamente con el arquitecto los célebres muebles de acero tubular.



En 1929 lanza su famosa ‘Chaisse longue basculante’, el ‘Fauteuil grand confort’ y el ‘Fauteuil dossier basculant’, que la colocarán en un sitio privilegiado en el mundo del diseño industrial.
El interés de la artista por emplear nuevos materiales en sus trabajos, más su estancia de 1940 a 1946 en Extremo Oriente, la llevarán a reinterpretar el modo de habitar el espacio creando muebles de madera en los cuales lo tradicional se combina con lo moderno.

Es así que diseña mesas, estanterías, sillas, sillones y sofás, a precios accesibles, lo cual le proporciona una merecida reputación internacional, ya que incluso hoy varios de sus modelos siguen produciéndose gracias a la famosa empresa italiana Cassina.

Otra mujer importante, también ligada a otro gran arquitecto fue Aino Marso (1894-1949), conocida como Aino Aalto al tomar el apellido de su marido Alvar Aalto. Experimentó con su marido formas de doblar madera, jugando con las formas onduladas tan clásicas del organicismo nórdico.


Y junto a Mies van der Rohe aparece ligado el nombre de Lilly Reich, cuyo trabajo se liga con la creación del mobiliario del arquitecto, incluida la famosa silla Barcelona.


(continuaremos...)

domingo, 27 de marzo de 2011

andrée putman. mujeres del diseño




Sobria, refinada, divertida, minimalista, sutil e inaudita. Así es Andrée Putman. Una mujer que a sus 85 años sigue activa y entusiasmada con el diseño. Iniciadora de un estilo que más tarde seguirían Philippe Starck y Matali Crasset y generosa descubridora de talentos como Jean-Charles de Castelbajac, Issey Miyake, Claude Montana y Thierry Mugler.


Parece que seguimos ligando a los chateaus y los monasterios franceses con el diseño industrial. En este caso Andrée pasaba sus veranos en la abadía de Fontenay, un monasterio del siglo XII que pertenecía a su familia, en la Borgoña francesa. Este monasterio adalid de la arquitectura cisterciense, quedó grabado en la retina de esta mujer donde entendió la austeridad ornamental, la ausencia de todo artificio decorativo y la magia de la luz para crear la perfección de los espacios.

Empezó trabajando para una revista de arte y a los 33 años comenzó a formar parte del equipo de diseño de unos grandes almacenes donde imaginaba objetos a precios asequibles. "La belleza no tiene nada que ver con el precio de las cosas", afirma quien aún fabricando objetos elitistas, siempre ha reivindicado un diseño para todos los bolsillos.

En 1978 montó su propio estudio y su fama llegó con el encargo del interiorismo del hotel de los dueños de la discoteca neoyorkina Studio 54, qué les habían cerrado el espacio por evasión fiscal. Con poco presupuesto, tuvo que escoger los baldosines más baratos del mercado y así escogió los blancos y negros. Elección que a partir de ese momento se convertiría en símbolo de su estilo.


Pero además de su gran éxito como interiorista ha diseñado objetos como bañeras, vajillas, cuberterías, lámparas, sillas, mesas, escritorios, alfombras y carritos para la compra, ligada a grandes fabricantes de diseño. Se define a sí mima como exploradora y curiosa que vuelve a la página en blanco para crear lenguajes nuevos.



domingo, 13 de marzo de 2011

una apasionante historia art decó

La mayor colección de mobiliario y accesorios Art Decó (desde el clasicismo de Ruhlmann al modernismo de Eileen Gray) se subasta a finales de este mes en Christies. El dueño de la colección, el francés Laurent Negro posee una curiosa historia, casi literaria, hasta hacerse y deshacerse de esta importante colección.

El coleccionista de apenas 38 años ha conseguido reunir un catálogo que se articula en torno a tres ejes: el Art Noveau, el Art Decó y por último la Unión de Artistas Modernos (UAM). Desde hace cinco años la cotización de estos tres movimientos decorativos está subiendo como la espuma, llegando a igualar los muebles del s. XVIII. Pero, ¿quién es este coleccionista? Laurent Negro no aparece en los nombres de referencia de las casas de subastas, tampoco acude a fiestas ni actos sociales. Es tan discreto (o extraño según algunos) que no ha querido que Christie's subaste la colección bajo su nombre, sino que aparezca por el nombre del lugar que hasta ahora albergaba la colección "Château de Gourdon", un castillo familiar.


Y, ¿cómo ha llegado este hombre a tener esta ambiciosa colección? Para ello es necesario hablar de su padre, también llamado Laurent Negro, que nació en 1929 en el seno de una familia muy humilde y creó en Francia la primera empresa de trabajo temporal convirtiéndose en millonario. Su padre coleccionó obras de arte naif y en 1972 compró el Château de Gourdon, una fortaleza del siglo XII en la Provenza francesa, la elección no fue casual, ya que su madre había trabajado ahí de cocinera.
Tras la muerte de su padre, Negro heredó una gran fortuna, vendió la colección de arte y comenzó a recorrer las salas de subastas. Quería seguir los pasos de coleccionista de su padre, pero lo que a él le entusiasmaba era el s.XX, y así consiguió esta magnífica colección cuya venta podría alcanzar los 100 millones de euros.

Pero, ¿y por qué desea vender su colección? Se rumorea que lo hace por despecho, desde hace años Negro está en conflicto con las autoridades del pueblo de Gourdon, ya que al considerarse de interés histórico, los jardines y el castillo deben estar abiertos al público y una comisión de patrimonio impide que Laurent realice las remodelaciones que desea.
La gota que colmó el vaso fue que Negro quería plantar unos árboles en el jardín y en cuanto se enteró el alcalde llamó a la comisión que vela por el patrimonio y dado que los jardines fueron diseñados por el mismo paisajista que diseñó los jardines del Palacio de Versalles, patrimonio le dió la razón al alcalde.


A partir de ese momento Negro decidió deshacerse de los muebles que según él sólo le habían traído problemas y además cerró el castillo al público, que era una de las mayores atracciones turísticas del pueblo y atraía 800.000 visitantes anuales.

Ahora la colección que la burguesía de la época nunca aceptó ni valoró, aunque supusiera una técnica totalmente innovadora, podrá verse por vez última toda reunida, los días antes de la subasta en el Palais de Tokio de París y mientras Negro manifiesta la intención de comenzar otra colección en otro lugar.
fuente "Fuera de Serie.nº320. Expansión"

lunes, 28 de febrero de 2011

sábado, 15 de enero de 2011

¿Quién es contemporáneo? ¿Lo eres tú?


Es difícil definir en estos momentos lo que es ser contemporáneo. El filósofo italiano Giorgio Agamben nos dice que la contemporaneidad es esa relación singular con el propio tiempo, que se adhiere a él pero, a la vez, toma distancia de éste. “Aquellos que coinciden completamente con la época, que concuerdan en cualquier punto con ella, no son contemporáneos pues, justamente por ello, no logran verla, no pueden mantener fija la mirada sobre ella”.

Ser contemporáneo comporta cierto desfase, alega Agamben. “Todos los tiempos son, para quien experimenta la contemporaneidad, oscuros. Contemporáneo es, justamente, aquel que sabe ver esta oscuridad y que es capaz de escribir mojando la pluma en las tinieblas del presente”.

Para el escritor Álvaro Bermejo, “ya nadie duda de que el ciberespacio y las tecnologías emergentes estén acelerando la transformación hacia una nueva era cultural. No obstante, si carece de una reflexión sobre su sentido, la esencia estructural de las comunidades online puede ser muy parecida a la de cualquier poblado de yanomamis perdido en una amazónica Edad de Piedra. En ambas permanece latente una idea de poder que sólo denota signos de evolución cuando reflexiona sobre sí misma, integra el conocimiento en el procomún y lo socializa verdaderamente”.

¿Pero existe esa socialización de los nuevos lenguajes?

Sí sabemos de ciertas manifestaciones como las de la Fundación Telefónica, que ha apostado por la innovación tecnológica relacionada con el arte como eje central de sus actividades, mostrando un interés especial en el apoyo a los encuentros entre arte, ciencia, tecnología y sociedad. Su certamen Vida se establece como un espacio formal de referencia en el ámbito de la creación artística en el que se convocan proyectos interdisciplinares que investigan tecnologías de vanguardia, en áreas como la robótica, el software art, la vida artificial, la biología computacional y el bioarte, entre otros.
VIDA: ha galardonado en la última década proyectos pioneros que investigan la posición cultural derivada de una situación sin precedentes creada por la nueva realidad científica y tecnológica. El término Vida Artificial aparece en el año 1987 durante la conferencia histórica Artificial Life I albergada en el Laboratorio de Los Álamos de Nuevo México, bajo la dirección del científico Christopher Langton. Desde entonces, la vida artificial surge como una nueva disciplina científica que utiliza medios computacionales para crear simulaciones de vida y de sistemas vivos. Los proyectos de arte y vida artificial ostentan una serie de atributos que se definen esencialmente por mostrar comportamientos dinámicos, evolutivos, reactivos a su entorno y que incorporan en su apariencia física elementos naturales y artificiales, poniendo de relieve aquello que se ha dado a llamar lo vivo y lo no-vivo. La vida artificial se alimenta de diferentes productos culturales: la predominancia del avance tecnológico, las investigaciones científicas a menudo altamente especializadas, y las estrategias artísticas que generan artefactos con relevancia tanto estética como social.
“Lo digital aparece ligado a lo biológico en múltiples manifestaciones y atributos, a través de la unión de la materia viva y la máquina, tal como se cita en el mito del ciborg, en los hallazgos en biología sintética o en la biología de sistemas. La alianza entre wetware (biológico), hardware (robótico) y software (informático) se hace evidente en todas sus variantes, ya sea por medio del cuerpo aumentado, en el diseño de nuevos organismos o en el modelado de sistemas biológicos complejos”, argumenta Mónica Bello Bugallo, directora artística de Vida.

“La contemporaneidad se inscribe en el presente y lo marca, ante todo, como arcaico, y sólo quien percibe en lo más moderno y reciente los indicios y las marcas de lo arcaico puede ser contemporáneo".

Contemporáneo significa: Que existe en la época actual, que pertenece al presente. También se aplica a la persona que existió al mismo tiempo que otra persona o cosa o que pertenece a la misma época que ella. Shakespeare y Cervantes fueron contemporáneos.Góngora fue contemporáneo de Quevedo.

Arcaico significa:
cercano al arké, es decir, al origen.

Adaptación de un artículo de Pura C. Roy.

domingo, 9 de enero de 2011

intuición, sensibilidad y seducción





Intuición, sensibilidad y seducción son los tres argumentos que ofrece Marcelo Leslabay, comisario de la exposición "¡Mujeres al Proyecto!", como diferenciales en cuanto al diseño de producto hecho por mujeres se refiere.

Leslabay se ha embarcado en el reto de hacer una exposición de diseño español, protagonizada por la damas españolas del diseño de producto, para llevarlo alrededor del mundo gracias a la AECID.

"Como en el resto de profesiones, también en el diseño la incorporación de la mujer se ha dado de forma tardía y sólo con más intensidad en las dos últimas décadas. La suya ha sido una carrera llena de obstáculos, prejuicios sociales y desconfianzas profesionales, que han superado con éxito y que además han compatibilizado –en muchos casos– con la maternidad. Con este panorama tan competitivo, las que se han destacado, lo han hecho, básicamente, por una razón: su profesionalidad. En España se estaba necesitando posicionar a este grupo de profesionales que se conocían por separado pero no en su conjunto. Pensé que era importante como tributo, el momento político lo ameritaba, y además me pareció que serviría de ejemplo a las nuevas generaciones, que ahora sí eligen en mayor medida esta disciplina tan linda, pero que hasta ahora –no puede ocultarse– les ha puesto más obstáculos por ser mujeres. "

Las damas del proyecto iban a ser diez, se quedaron en nueve, ya que Patricia Urquiola decidió bajarse del proyecto. Y son:


1.- Gemma Bernal. Pionera dentro de su ámbito en España, con proyectos en prácticamente todas las áreas industriales. se ha dado el lujo de diseñar desde un reloj, pasando por bancos de plaza a herramientas varias. Celebradísima su vajilla gourmet Ola de CIM, fruto de la colaboración del equipo de El Bulli.


2.-Nancy Robbins. Desde 1996 trabaja principalmente en diseño industrial. En 1986 abrió su tienda Nancy Robbins en Barcelona y desde 1987 trabaja con varios fabricantes de muebles, exponiendo en las Ferias de Muebles de Valencia, Colonia y Milán y a partir de 1995 en las Ferias de Muebles de EE.UU. Diseñó los sillones y sofás “Gilda”, “New York”, “Miami” y “Atlanta” para Cycsa y las sillas “Nancy”, “Urbe”, “Tokio” y “Savoy” para Andreu World.




3.- Margarita Viarnés (Gerona, 1965) compagina desde su estudio-showroom el diseño de mobiliario, iluminación e interiorismo con la producción y comercialización de sus propios diseños. Su trabajo es versátil, propio de alguien que se mueve con soltura en el campo de la arquitectura y las grandes producciones industriales.


4.- Marre Moerel (Breda, Holanda, 1966) proyecta desde Madrid para empresas europeas de mobiliario e iluminación y en paralelo produce sus propias diseños en cerámica. Además, compatibiliza su labor como diseñadora con la organización, coordinación y dirección de exposiciones de diseño, tanto en Europa como en Estados Unidos.


5.-Lola Castelló fundó Punt Mobles en 1980, una compañía de mobiliario con más de 100 empleados y diseños reconocidos como la colección Agora de mesas y sillas y el banco Aalt, entre muchos otros.


6.- Nani Marquina. (Barcelona, 1952) impulsa desde 1987 una firma especializada en diseño de alfombras al frente, de nombre homónimo, un emblema en el diseño de las más bellas alfombras, como la colección Toppísimo. De la que ya hemos dado cuenta anteriormente en este blog.


7.- Mariví Calvo. Fundadora de Luzifer (“hacer luz” en valenciano) con Sandro Tothill en 1995, empresa que exporta a multitud de países. Ella es licenciada en Historia del Arte y en Bellas Artes (Valencia), realizó estudios en el Pratt Institute de Nueva York y en el Museo de Holografía de la misma ciudad, y su interés se centra siempre en la investigación de nuevos materiales vinculados con la luz. Diseñando todo tipo de lámparas como las de las colecciones Gea, Románicas, Aloha, Moebius, Oku y Junior, entre otras.


8.- Ana Mir. Muestra una posición más cercana a la trasgresión que al mero concepto, imprime su personalidad en alfombras, mobiliario, iluminación y accesorios. Sus obras han resultado siempre tan novedosas que desde 2003 forman parte de la colección permanente del Fond National d`Art Contemporain de Francia.


9.- Eva Prego. Codirectora del estudio Stone Design.

Ojalá esta expo que está haciendo su tourné por latinoamérica vuelva a España para que podamos disfrutarla. Y si os ha interesado este artículo os recomiendo la lectura pausada de esta reflexión de este blog al hilo de esta exposición a su paso por Canarias.

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