Sacarle punta a todo

Dalton Ghetti es un curioso artista de origen brasileño que utiliza sus lápices no para hacer los bocetos de sus creaciones, sino para realizar esculturas en los mismos, esculpiendo el grafito de dichos laápices.

Dicho proceso resulta extremadamente dificil debido a la fragilidad y el tamaño de las minas de grafitos de los lápices; siendo el proceso aún más complejo debido a que no emplea lupa, siendo sus útiles un cuchillo, una hoja de afeitar y una aguja.

Suele tardar meses en acabarlas, e incluso ha realizado alguna que le llevó más de dos años.

Ghetti nació en Brasil, y se puede decir que este tío es un puntazo.....

andrée putman. mujeres del diseño

Sobria, refinada, divertida, minimalista, sutil e inaudita. Así es Andrée Putman. Una mujer que a sus 85 años sigue activa y entusiasmada con el diseño. Iniciadora de un estilo que más tarde seguirían Philippe Starck y Matali Crasset y generosa descubridora de talentos como Jean-Charles de Castelbajac, Issey Miyake, Claude Montana y Thierry Mugler.


Parece que seguimos ligando a los chateaus y los monasterios franceses con el diseño industrial. En este caso Andrée pasaba sus veranos en la abadía de Fontenay, un monasterio del siglo XII que pertenecía a su familia, en la Borgoña francesa. Este monasterio adalid de la arquitectura cisterciense, quedó grabado en la retina de esta mujer donde entendió la austeridad ornamental, la ausencia de todo artificio decorativo y la magia de la luz para crear la perfección de los espacios.

Empezó trabajando para una revista de arte y a los 33 años comenzó a formar parte del equipo de diseño de unos grandes almacenes donde imaginaba objetos a precios asequibles. "La belleza no tiene nada que ver con el precio de las cosas", afirma quien aún fabricando objetos elitistas, siempre ha reivindicado un diseño para todos los bolsillos.

En 1978 montó su propio estudio y su fama llegó con el encargo del interiorismo del hotel de los dueños de la discoteca neoyorkina Studio 54, qué les habían cerrado el espacio por evasión fiscal. Con poco presupuesto, tuvo que escoger los baldosines más baratos del mercado y así escogió los blancos y negros. Elección que a partir de ese momento se convertiría en símbolo de su estilo.


Pero además de su gran éxito como interiorista ha diseñado objetos como bañeras, vajillas, cuberterías, lámparas, sillas, mesas, escritorios, alfombras y carritos para la compra, ligada a grandes fabricantes de diseño. Se define a sí mima como exploradora y curiosa que vuelve a la página en blanco para crear lenguajes nuevos.

una apasionante historia art decó

La mayor colección de mobiliario y accesorios Art Decó (desde el clasicismo de Ruhlmann al modernismo de Eileen Gray) se subasta a finales de este mes en Christies. El dueño de la colección, el francés Laurent Negro posee una curiosa historia, casi literaria, hasta hacerse y deshacerse de esta importante colección.

El coleccionista de apenas 38 años ha conseguido reunir un catálogo que se articula en torno a tres ejes: el Art Noveau, el Art Decó y por último la Unión de Artistas Modernos (UAM). Desde hace cinco años la cotización de estos tres movimientos decorativos está subiendo como la espuma, llegando a igualar los muebles del s. XVIII. Pero, ¿quién es este coleccionista? Laurent Negro no aparece en los nombres de referencia de las casas de subastas, tampoco acude a fiestas ni actos sociales. Es tan discreto (o extraño según algunos) que no ha querido que Christie's subaste la colección bajo su nombre, sino que aparezca por el nombre del lugar que hasta ahora albergaba la colección "Château de Gourdon", un castillo familiar.


Y, ¿cómo ha llegado este hombre a tener esta ambiciosa colección? Para ello es necesario hablar de su padre, también llamado Laurent Negro, que nació en 1929 en el seno de una familia muy humilde y creó en Francia la primera empresa de trabajo temporal convirtiéndose en millonario. Su padre coleccionó obras de arte naif y en 1972 compró el Château de Gourdon, una fortaleza del siglo XII en la Provenza francesa, la elección no fue casual, ya que su madre había trabajado ahí de cocinera.
Tras la muerte de su padre, Negro heredó una gran fortuna, vendió la colección de arte y comenzó a recorrer las salas de subastas. Quería seguir los pasos de coleccionista de su padre, pero lo que a él le entusiasmaba era el s.XX, y así consiguió esta magnífica colección cuya venta podría alcanzar los 100 millones de euros.

Pero, ¿y por qué desea vender su colección? Se rumorea que lo hace por despecho, desde hace años Negro está en conflicto con las autoridades del pueblo de Gourdon, ya que al considerarse de interés histórico, los jardines y el castillo deben estar abiertos al público y una comisión de patrimonio impide que Laurent realice las remodelaciones que desea.
La gota que colmó el vaso fue que Negro quería plantar unos árboles en el jardín y en cuanto se enteró el alcalde llamó a la comisión que vela por el patrimonio y dado que los jardines fueron diseñados por el mismo paisajista que diseñó los jardines del Palacio de Versalles, patrimonio le dió la razón al alcalde.


A partir de ese momento Negro decidió deshacerse de los muebles que según él sólo le habían traído problemas y además cerró el castillo al público, que era una de las mayores atracciones turísticas del pueblo y atraía 800.000 visitantes anuales.

Ahora la colección que la burguesía de la época nunca aceptó ni valoró, aunque supusiera una técnica totalmente innovadora, podrá verse por vez última toda reunida, los días antes de la subasta en el Palais de Tokio de París y mientras Negro manifiesta la intención de comenzar otra colección en otro lugar.

fuente "Fuera de Serie.nº320. Expansión"

¿Quién es contemporáneo? ¿Lo eres tú?

Es difícil definir en estos momentos lo que es ser contemporáneo. El filósofo italiano Giorgio Agamben nos dice que la contemporaneidad es esa relación singular con el propio tiempo, que se adhiere a él pero, a la vez, toma distancia de éste. “Aquellos que coinciden completamente con la época, que concuerdan en cualquier punto con ella, no son contemporáneos pues, justamente por ello, no logran verla, no pueden mantener fija la mirada sobre ella”.

Ser contemporáneo comporta cierto desfase, alega Agamben. “Todos los tiempos son, para quien experimenta la contemporaneidad, oscuros. Contemporáneo es, justamente, aquel que sabe ver esta oscuridad y que es capaz de escribir mojando la pluma en las tinieblas del presente”.

Para el escritor Álvaro Bermejo, “ya nadie duda de que el ciberespacio y las tecnologías emergentes estén acelerando la transformación hacia una nueva era cultural. No obstante, si carece de una reflexión sobre su sentido, la esencia estructural de las comunidades online puede ser muy parecida a la de cualquier poblado de yanomamis perdido en una amazónica Edad de Piedra. En ambas permanece latente una idea de poder que sólo denota signos de evolución cuando reflexiona sobre sí misma, integra el conocimiento en el procomún y lo socializa verdaderamente”.

¿Pero existe esa socialización de los nuevos lenguajes?

Sí sabemos de ciertas manifestaciones como las de la Fundación Telefónica, que ha apostado por la innovación tecnológica relacionada con el arte como eje central de sus actividades, mostrando un interés especial en el apoyo a los encuentros entre arte, ciencia, tecnología y sociedad. Su certamen Vida se establece como un espacio formal de referencia en el ámbito de la creación artística en el que se convocan proyectos interdisciplinares que investigan tecnologías de vanguardia, en áreas como la robótica, el software art, la vida artificial, la biología computacional y el bioarte, entre otros.

VIDA: ha galardonado en la última década proyectos pioneros que investigan la posición cultural derivada de una situación sin precedentes creada por la nueva realidad científica y tecnológica. El término Vida Artificial aparece en el año 1987 durante la conferencia histórica Artificial Life I albergada en el Laboratorio de Los Álamos de Nuevo México, bajo la dirección del científico Christopher Langton. Desde entonces, la vida artificial surge como una nueva disciplina científica que utiliza medios computacionales para crear simulaciones de vida y de sistemas vivos. Los proyectos de arte y vida artificial ostentan una serie de atributos que se definen esencialmente por mostrar comportamientos dinámicos, evolutivos, reactivos a su entorno y que incorporan en su apariencia física elementos naturales y artificiales, poniendo de relieve aquello que se ha dado a llamar lo vivo y lo no-vivo. La vida artificial se alimenta de diferentes productos culturales: la predominancia del avance tecnológico, las investigaciones científicas a menudo altamente especializadas, y las estrategias artísticas que generan artefactos con relevancia tanto estética como social.

“Lo digital aparece ligado a lo biológico en múltiples manifestaciones y atributos, a través de la unión de la materia viva y la máquina, tal como se cita en el mito del ciborg, en los hallazgos en biología sintética o en la biología de sistemas. La alianza entre wetware (biológico), hardware (robótico) y software (informático) se hace evidente en todas sus variantes, ya sea por medio del cuerpo aumentado, en el diseño de nuevos organismos o en el modelado de sistemas biológicos complejos”, argumenta Mónica Bello Bugallo, directora artística de Vida.

“La contemporaneidad se inscribe en el presente y lo marca, ante todo, como arcaico, y sólo quien percibe en lo más moderno y reciente los indicios y las marcas de lo arcaico puede ser contemporáneo".

Contemporáneo significa: Que existe en la época actual, que pertenece al presente. También se aplica a la persona que existió al mismo tiempo que otra persona o cosa o que pertenece a la misma época que ella. Shakespeare y Cervantes fueron contemporáneos.Góngora fue contemporáneo de Quevedo.

Arcaico significa: cercano al arké, es decir, al origen.

Adaptación de un artículo de Pura C. Roy.

intuición, sensibilidad y seducción

Intuición, sensibilidad y seducción son los tres argumentos que ofrece Marcelo Leslabay, comisario de la exposición "¡Mujeres al Proyecto!", como diferenciales en cuanto al diseño de producto hecho por mujeres se refiere.

Leslabay se ha embarcado en el reto de hacer una exposición de diseño español, protagonizada por la damas españolas del diseño de producto, para llevarlo alrededor del mundo gracias a la AECID.

"Como en el resto de profesiones, también en el diseño la incorporación de la mujer se ha dado de forma tardía y sólo con más intensidad en las dos últimas décadas. La suya ha sido una carrera llena de obstáculos, prejuicios sociales y desconfianzas profesionales, que han superado con éxito y que además han compatibilizado –en muchos casos– con la maternidad. Con este panorama tan competitivo, las que se han destacado, lo han hecho, básicamente, por una razón: su profesionalidad. En España se estaba necesitando posicionar a este grupo de profesionales que se conocían por separado pero no en su conjunto. Pensé que era importante como tributo, el momento político lo ameritaba, y además me pareció que serviría de ejemplo a las nuevas generaciones, que ahora sí eligen en mayor medida esta disciplina tan linda, pero que hasta ahora –no puede ocultarse– les ha puesto más obstáculos por ser mujeres. "

Las damas del proyecto iban a ser diez, se quedaron en nueve, ya que Patricia Urquiola decidió bajarse del proyecto. Y son:


1.- Gemma Bernal. Pionera dentro de su ámbito en España, con proyectos en prácticamente todas las áreas industriales. se ha dado el lujo de diseñar desde un reloj, pasando por bancos de plaza a herramientas varias. Celebradísima su vajilla gourmet Ola de CIM, fruto de la colaboración del equipo de El Bulli.


2.-Nancy Robbins. Desde 1996 trabaja principalmente en diseño industrial. En 1986 abrió su tienda Nancy Robbins en Barcelona y desde 1987 trabaja con varios fabricantes de muebles, exponiendo en las Ferias de Muebles de Valencia, Colonia y Milán y a partir de 1995 en las Ferias de Muebles de EE.UU. Diseñó los sillones y sofás “Gilda”, “New York”, “Miami” y “Atlanta” para Cycsa y las sillas “Nancy”, “Urbe”, “Tokio” y “Savoy” para Andreu World.




3.- Margarita Viarnés (Gerona, 1965) compagina desde su estudio-showroom el diseño de mobiliario, iluminación e interiorismo con la producción y comercialización de sus propios diseños. Su trabajo es versátil, propio de alguien que se mueve con soltura en el campo de la arquitectura y las grandes producciones industriales.


4.- Marre Moerel (Breda, Holanda, 1966) proyecta desde Madrid para empresas europeas de mobiliario e iluminación y en paralelo produce sus propias diseños en cerámica. Además, compatibiliza su labor como diseñadora con la organización, coordinación y dirección de exposiciones de diseño, tanto en Europa como en Estados Unidos.


5.-Lola Castelló fundó Punt Mobles en 1980, una compañía de mobiliario con más de 100 empleados y diseños reconocidos como la colección Agora de mesas y sillas y el banco Aalt, entre muchos otros.

6.- Nani Marquina. (Barcelona, 1952) impulsa desde 1987 una firma especializada en diseño de alfombras al frente, de nombre homónimo, un emblema en el diseño de las más bellas alfombras, como la colección Toppísimo. De la que ya hemos dado cuenta anteriormente en este blog.

7.- Mariví Calvo. Fundadora de Luzifer (“hacer luz” en valenciano) con Sandro Tothill en 1995, empresa que exporta a multitud de países. Ella es licenciada en Historia del Arte y en Bellas Artes (Valencia), realizó estudios en el Pratt Institute de Nueva York y en el Museo de Holografía de la misma ciudad, y su interés se centra siempre en la investigación de nuevos materiales vinculados con la luz. Diseñando todo tipo de lámparas como las de las colecciones Gea, Románicas, Aloha, Moebius, Oku y Junior, entre otras.

8.- Ana Mir. Muestra una posición más cercana a la trasgresión que al mero concepto, imprime su personalidad en alfombras, mobiliario, iluminación y accesorios. Sus obras han resultado siempre tan novedosas que desde 2003 forman parte de la colección permanente del Fond National d`Art Contemporain de Francia.

9.- Eva Prego. Codirectora del estudio Stone Design.

Ojalá esta expo que está haciendo su tourné por latinoamérica vuelva a España para que podamos disfrutarla. Y si os ha interesado este artículo os recomiendo la lectura pausada de esta reflexión de este blog al hilo de esta exposición a su paso por Canarias.

termina una década

foto

No sé como llamaremos a esta década que termina, ¿los primeros años del 2000?, no serán los años veinte, ni treinta, ni cuarenta, quizá sean los primeros años del siglo XXI, la primera década del siglo XXI, no tengo ni idea.

Hoy he comprado una revista de "tendencias" de esas que ellos mismos se resumen muy sintéticamente en: moda · tendencias · diseño · arte · arquitectura · viajes · fotografía y yo lo resumiría en fotografía de cosas caras y, para empezar, se trataba de una revista de tendencias masculinas, pero yo eso no le he visto por ninguna parte y para seguir, después de haberme gastado unos cuantos euros, y en crisis no estamos para estos excesos, he pensado: ¿no tiene nada interesante?, ¡no puede ser! seguro que algo interesante encuentro, otra vuelta a la revista y entonces me acordé de otras revistas de la misma categoría que tenía en casa cogiendo polvo y me dije: "Hace diez años juraría que estas revistas tenían exactamente el mismo contenido."

Pues bien, me pongo manos a la obra a comparar una revista de dic 2000 (de precio 500 ptas.) con esta de invierno-primavera 2010-2011 y mi primera sorpresa es que ambas hablan de TomFord , ambas apuntan a la arquitectura sostenible o a rehabitar espacios, ambas traen muchos muchos anuncios de relojes (¿tanto nos obsesiona el tiempo?), ambas hablan de los móviles de nueva generación (cada una de la suya claro), ambas muestran multitud de deportivas como nueva moda urbana y ambas tienen unas sugerentes fotos de pinchos de alta cocina.

¿Y qué hemos hecho estos diez años? Pues viendo esta selección de fotos de la década, la verdad es que no demasiadas cosas dignas, y desde luego las revistas de "tendencias" siguen siendo sólo eso ... revistas

tres años remendando

este rincón de internet ha cumplido tres años...
late lentamente, me gustaría que latiera más a menudo, pero lo importante es que sigue latiendo.
Muchas veces pienso que ya no sé si tiene sentido este blog, muchas veces dudo y pienso que ha perdido su misión, su filosofía con la que nació, con aquella de no dar una visión elitista del diseño, con que el diseño no fuera un remiendo.
Y viviendo esta situación de crisis que ya parece que dura demasiado, quizá está más a la orden del día el intentar echar remiendos y no plantear un cambio estructural claro, ya sea desde la perspectiva del diseño o la innovación o desde cualquiar otra perspectiva, pero desde luego un cambio. Así que quizá si que sea necesario el mantener esa visión de que debemos transformar, sin echar remiendos.

Este año ha sido duro, para todos, muchos cambios que no nos han propiciado la abundancia de redacción de post, sino todo lo contrario. Si todavía estáis por ahí, deciros que seguimos cuidando con mimo este blog y que intentaremos mantener la visión crítica de todo este sector, por otro lado apasionante sector.

Caminante... no hay camino